13 May - 11 Jun

From May 13 to June 11, 2023, Gallery COMMON is pleased to announce Human in the Loop, British artist Matthew Stone’s first solo exhibition in Japan. The series of new paintings in this show combine analog, digital, and AI processes, and will be accompanied by a generative painting that produces infinite images based on an algorithm trained on the artist’s works.
With a career spanning over twenty years, Stone’s work across painting, photography, virtual sculpting, performance art, and writing is tied together by a longstanding and critical belief in humanity. His dramatic, Renaissance-like compositions, populated with intertwined digital bodies composed of thick ribbons of analogue paint, seek to expand ideologies that relate to the body itself, addressing the complexities of interconnection in order to illuminate our potential for social unity.
Incorporating digital processes into the analog tradition of painting, Stone makes explicit reference to painting’s history while simultaneously disrupting its holy status. Stone makes his works by first painting strokes of color onto clear acrylic panels. He then transforms these physical paint strokes into digital data, which he wraps around 3D rendered bodies and finally prints onto linen. The newest addition to Stone’s process is artificial intelligence. The images on many of the paintings in this exhibition combine AI outputs with the artist’s manual input.
A closer look at some of the pieces reveals AI-generated canvases strewn about behind the human figures. When seeing artworks within artworks, one may recall Henri Matisse’s famous studio paintings, such as The Red Studio or The Pink Studio. However, whereas Matisse depicted existing physical paintings that were already hanging in his studio, Stone’s works depict paintings that have yet to exist, upending the traditional chronology of such a creative process. The generative work is another play on this backwards process– the paintings that appear on the monitor are infinitely generated by an algorithm, and from this output, a selection of portraits have discovered a new life as physical canvases. If we think about Matisse’s painted paintings as being virtual objects, Stone’s virtual paintings continue a historical conversation around what a painting actually is and where it actually lives.
The title of the exhibition, Human in the Loop, refers to the point in AI development at which human beings are required to assess the quality of the output and to provide feedback for the AI’s training. In this exhibition, Stone likens himself to the human in the loop. “That is how I see my role,” he says. “I think that in a way a lot of people misunderstand the level of creativity that can be present when working with AI as a tool. I feel like people are right to question new technologies– to question how they are implemented, who for and to what end– but I also think it’s important to actively engage with the technology and tools, so that we’re not just operating from a place of abstract or uninformed anxiety.”
Photoshop and image editing tools are not unfamiliar to Stone, who started working with them when he was a teenager. His progression into working with 3D software and AI represents in real time the way that technology and art-making has changed. Stone acknowledges an existential fear this change has instigated. There is an anxiety particular to our current generation, he notes, which seems to be caused by a sense of destabilization of our physical reality, due to a lack of understanding of the technologies which shape our virtual lives. Stone's work with AI embraces the mystery of these enigmatic black boxes, asserting that being open to utilizing emerging technologies is essential if we are to meaningfully cultivate the impact that we have on each other. As art theorist Boris Groys writes in his book, In the Flow, “Things manifest themselves to us primarily as tools. We use things. This use is their truth-- but also the truth of our own existence in the world. Science does not look at things from the perspective of their ordinary, everyday use or the mode of this use. Rather, it is art that shows us our own use of things– and in doing so tells us truths about our way of existing in the world.” ( 1 )
At the heart of Stone’s practice is an interrogation into this “truth about our way of existing in the world,” and by extension, the way that art exists in the world. In this exhibition, Stone contemplates how nowadays, an artwork can exist in multiple forms; as a digital rendering on a computer, as pixels in a phone, as a meme, as a photograph, as a memory in someone’s head. In such a world, where does the “true” artwork exist?
Stone suggests that the existence of an artwork lies in this very network. The birth of the Internet and social media has created a dimension in which an artwork can exist infinitely and be reborn infinitely through our collective online mind. “We need to be conscious that there is a network that is larger than the individual artwork, which brings me back to this idea of social sculpture,” says Stone, referencing the term coined by the late German artist Joseph Beuys, who proposed that society as a whole was a work of art. This idea that a network of people or a cultural movement can be an artwork in itself has driven Stone’s practice since early in his career. From the use of AI during the creation process, to the Instagram post announcing the artwork’s completion, to the reposts, retweets, and occasional memeification that occurs afterwards, Stone understands that the collective network he operates upon is a part of the artwork’s life, and as such, a part of the artwork itself. In considering Stone’s AI model of choice, Stable Diffusion, we see Beuys’s idea again: the model trains using every image it can find online, so one could argue that the AI model itself is almost like a social sculpture because it draws on the collective creativity of so many people.
What is AI’s creative potential, and what is our creative potential when we work with AI? Stone’s new works pose serious questions about this revolutionary technology, which, as with the introduction of any new technology, has incited both excitement and fear. Amidst the ongoing discussion, one that ranges from utopian to dismissive, Stone says that we must trust that our desire to be fully human will be realized through AI, rather than at the cost of AI. As he searches for humanity within the arc of technological evolution, Stone’s critical exploration and cultivation of optimism encourages us to cherish human connection, and reminds us where true creative power lies– not in the tools themselves, but in the hands of those who wield them.
1  )  Boris Groys, In The Flow, Verso Books, 2018, p. 131.
Matthew Stone was born in London in 1982. He currently lives and works in the Wye Valley, United Kingdom. In the early 2000s, Stone, together with a group of friends, ignited a subcultural movement in South London in the form of the art collective !WOWOW!. A byproduct of his fascination with Warhol’s Factory and Joseph Beuys’s idea of social sculpture, the collective was housed in an abandoned building that would become host to a slew of rotating exhibitions, residencies, salons, and massive art happenings. It was during this period that Stone found his voice in photography and performance, creating Caravaggesque compositions of entangled bodies and esoteric performances incorporating music and video. In the years following, Stone would go through a spiritual and political awakening that would lead to a maturation of his 2004 manifesto, Optimism as Cultural Rebellion, and a development in his methods of interacting with materials and the world. Now living in a peaceful countryside village in England known as the Wye Valley, Stone’s practice has evolved to work with 3D software and digital tools, and now, AI. Stone’s approach highlights the deeply interwoven nature of our offline and online lives today. He suggests that we must acknowledge the power we have to shape these fundamental changes, rather than be shaped by them, and then explore this potential consciously and creatively.

2023年5月13日から6月11日まで、Gallery COMMONはイギリス人アーティスト、マシュー・ストーンの日本での初個展「Human in the Loop」を開催します。本展では、アナログ、デジタル、AIのプロセスを組み合わせた新作の絵画作品シリーズと、アーティストの作品を学習させたアルゴリズムに基づいて無限のイメージを生み出す、ジェネラティブ・ペインティング作品が展示されます。
本展のタイトル「Human in the Loop」は、AI開発において、人間がアウトプットの質を評価し、AIのトレーニングにフィードバックすることが求められるポイントのことを指しています。本展でストーンは、自らをそうした「Human in the Loop(ループの中の人間)」になぞらえており、次のように話します。「多くの人がAIをツールとして扱うときのクリエイティブレベルを誤解しているように思います。新しいテクノロジーがどのように作られ、誰のために、そして何のために使われるのか、それを疑問を持つのは正しいことです。しかし同時に、抽象的で何もわからない不安な状態からAIをただ操作しているだけということにならないように、テクノロジーやツールに自分から積極的に関わることも大切なのではないでしょうか」。
ストーンは10代の頃からフォトショップや画像編集ツールを扱っていましたが、さらに3DソフトやAIを取り入れたその制作スタイルは、テクノロジーや作品制作それ自体がどのように変化したかをリアルタイムに反映しています。こうしたテクノロジーの変化によって、自身の存在が脅かされるような恐怖も引き起こされうることをストーンは理解しています。しかし同時に、それはバーチャルな世界を作り出すテクノロジーへの理解が不足しているがために、物理的な現実の感覚が不安定になることで引き起こされた恐怖なのではないかとも指摘します。ストーンは、AIを使用した今回の作品を通じて、私たちそれぞれが相互に持つ影響力を意義あるものとしていくためには、この謎めいたブラックボックスと直接向き合い、新しいテクノロジーを利用することにオープンであることが不可欠であることを示しているのです。美術理論家のボリス・グロイスは、著書『In The Flow(流れの中で)』の中で次のように述べています。「モノは主に道具として私たちの前に現れる。私たちはモノを使う。この使うことこそがモノの真実であり、同時に、世界における私たち自身の存在の真実でもある。科学は、モノの日常的な使用方法や使用態様という観点からモノを見ることはしない。芸術こそが、私たち自身のモノの使い方を示すものであり、そうすることによって、私たちはどのように世界に存在するかという真実についても教えてくれるのだ」 ( 1 )
ストーンはアートの存在はまさにネットワークの中にあると示しています。インターネットとソーシャルメディアの誕生は、オンライン上の集合知によって作品が無限に存在し、そして生まれ変わることができる次元を作り出しました。そうした状況の中だからこそ、「個々の作品よりも大きなネットワークが存在することを意識する必要があり、そして『社会彫刻』の考え方に立ち返らせられる」とストーンはいいます。社会彫刻とは、ドイツのアーティスト、ヨーゼフ・ボイスが提唱した、社会全体が芸術作品であるという概念です。人々のネットワークや文化的なムーブメントそれ自体がアート作品になりうるというこの考え方は、ストーンのキャリアの初期からその実践を後押ししてきました。制作過程でのAIの使用から、作品の完成を知らせるインスタグラムの投稿、その後の再投稿やリツイート、時にはミーム化まで、ストーンは自分が動かすネットワークが作品を作品たらしめ、そしてそれ自体が作品の一部でもあると理解しています。さらに言えば、インターネット上で見つけることのできるあらゆる画像を使って訓練された「Stable Diffusion」というAIモデルもまた、多くの人々の創造性を結集した社会彫刻のようではないでしょうか。そのように考えると、ストーンによる「Stable Diffusion」というAIモデルの選択からも、ボイスの考えを見出すことができます。
1  )   Boris Groys, In The Flow, Verso Books, 2018, p. 131.
マシュー・ストーンは1982年、ロンドン生まれ。現在、イギリスのワイ・バレーを拠点に活動している。 2000年代初頭、友人たちとともに、サウスロンドンのサブカルチャー・ムーブメントに火をつけたアートコレクティブ「!WOWOW!」を結成。アンディ・ウォーホルのファクトリーやヨーゼフ・ボイスの「社会彫刻」の考え方に魅了され、廃墟となったビルで展示、レジデンス、サロン、大規模なアートフェスティバルなどを次々に開催した。この時期、写真とパフォーマンスにおいて、絡まり合う身体を描いたカラバッジョ的な作品や、音楽と映像を取り入れた深遠なパフォーマンスを生み出し、その存在感を示した。その後、精神的・政治的なインスピレーションを得て、2004年に発表したマニフェスト「Optimism as Cultural Rebellion」を成熟させていき、素材や世界との関わり方を発展させていく。 現在は、イギリスのワイ・バレーと呼ばれるのどかな村に住み、その活動を3Dソフトウェアやデジタルツール、そしてAIを用いたものへと発展させている。ストーンのアプローチは、今日の私たちのオフラインとオンラインの生活が深く絡み合っていることを強調し、そして、このような根本的な変化に対して、私たちは「変化する」のではなく「変化させる」力を持ち、その可能性を意識的かつ創造的に追求しなければならないと提示している。 アート・バーゼル・マイアミ・ビーチ、ICAロンドン、マラケシュ・ビエンナーレ、ロイヤル・アカデミー、サーペンタイン、テート・ブリテンなど、世界各地の展覧会やプロジェクトに参加している。2019年にはミュージシャンFKA Twigsのアルバム『Magdalene』のカバーを制作。その他にもRick Owens、Apple、Riccardo Tisci、Dazed、Gentle Monsterなどとのコラボレーションを発表している。