Gallery COMMON is pleased to present “Afterimage”, a solo exhibition by Waku. On view from October 15 (Sat) to November 13 (Sun), 2022, the show features a series of works that represent a new direction within Waku’s continued exploration of neon light.
In this new series of works, Waku takes existing current-day symbols that many of us are familiar with and visually compresses them. Through this act he strips the symbols of their textual and pictorial legibility, a crucial aspect of their communicative function.
While working as a neon sign craftsman, Waku began to feel “discomfort with the fact that forms have singular meanings”, and has until now produced abstract works in an attempt to extract the element of light from its form. “In order to allow for our attention to remain on the light itself, the shape of the neon tubes can not be explicit or concrete,” says the artist; as such, his past works have been based on hand-drawn compositions subjective and abstract enough to allow for the neon light to convey itself without being reduced to any specific symbol.
However, the works in this exhibition cannot be described as intrinsic, subjective forms. A number of changes have come about within the artist’s process: in addition to the motifs being based on highly iconic consumerist symbols rather than immaterial shapes, the designs this time are based on digital renderings rather than freehand drawings, and the neon tube glass-bending process was carried out not just by the artist, but by other craftsmen as well.
In recalling his initial attempts at creating the works, Waku states, "I wanted to take the kinds of explicit and concrete symbols that I saw in my day-to-day while I worked as a signmaker and see if I could make them abstract in order to keep the focus on the light.” Waku thus attempted to deconstruct these well-known commercial logos into abstract shapes through his usual neon production techniques. However, as he progressed, he found it difficult to completely abstract these images; even after the letters were deconstructed into illegibility, they retained a strong symbolic quality due to other factors such as line thickness, angle, and color. This led Waku into an exploration of human cognition, in particular the idea of "indestructible signs" within our consumerist society.
These “indestructible signs”, like the capitalistic symbols that are the motifs of this exhibition, are signs that are enduring and unbreakable. They remain understandable even after they have lost their linguistic legibility; in other words, although the letters have been visually compressed to the point of being unreadable, we can still “read” the meaning of what they stand for.
In any other case, a compressed image or string of characters would become meaningless. However, this is not the case with symbols that we see everyday that are strongly associated with our daily lives. Such symbols have been firmly imprinted into people's minds, and can be visually compressed yet remain semantically “indestructible.” Designed to remain unforgettable through complex and subtle elements such as line thickness, angle, and color, the afterimages of these signs have been burned, as if by a branding iron, deep into our subconscious. It is from this perspective that the artist decided to incorporate these “foreign bodies” into the structure of his works. The transformation of Waku's work in this exhibition is based upon this conceptual evolution.
The artist and the artwork do not pass down judgment upon these “indestructible signs'' as being either good or bad; rather, they simply direct our focus towards the structure of the various fluctuating symbols within our society through the employment, exaggeration, and misuse of these structures. If you are able to extract meaning from the meaningless symbols displayed in this exhibition, it is a sign that you have been exposed to and cognizant of these symbols, whether purposefully or not. Though the neon lights do not communicate any specific message, you may find that they illuminate an image that already exists within yourself.
■ PROFILE
Waku was born in Tokyo in 1996, where he currently lives and works. Waku’s practice centers around the exploration of neon light. Using the medium to challenge our understanding of material, form, and element, Waku probes into deeper questions about how we perceive and relate to the world. Neon, a medium that is often culturally associated with signage, is treated as a final form in and of itself within Waku’s works. The son of a Buddhist temple family, Waku’s childhood exposure to candle-lit prayers and shining golden Buddha statues shaped his ‘formative experience of light,’ and he naturally found himself drawn to the element as a pathway to creating environments. In 2017, he began training as a craftsman at Shimada Neon, one of the leading factories in Japan, before eventually moving to New York where he studied under the tutelage of distinguished neon specialist David Ablon, who also worked on pieces by the late 20th century artist Nam June Paik. A craftsman as well as an artist, Waku’s intimate relationship with the physical hardware that powers neon (glass, electricity, argon gas, etc.) functions as a starting point for his evolving practice, allowing him to flexibly experiment with ways of “setting neon light free” to create new meaning. Following his training period, Waku returned to Japan and established his neon sign studio gokou while continuing to pursue his artistic practice. Recent activities include the solo exhibition “Sobokukou” at CON_ and Domicile Tokyo (2022) and the solo exhibition “In Person” at Gallery COMMON (2020), among others.
Gallery COMMONでは2022年10月15日（土）から11月13日（日）まで、Wakuの個展「Afterimage」を開催いたします。本展では、ネオンの光の可能性を探求し続ける作家の、新たな方向性を示す新作を発表いたします。
本展で発表される新作のモチーフとなるのは、現代の消費社会で私たちがよく目にする記号たちです。Wakuは新作において、それらの文字列の可読性や文脈を剥ぎ取ったうえで視覚的に圧縮することで、作品へと昇華させます。
ネオン職人として活動する一方で、「形に一定の意味があることへの違和感」を契機として作品の制作を開始したWaku。これまで、ネオンサインから光のみを抽出したかのような、抽象的な形態の作品で知られてきました。彼は「光そのものに焦点をあてるためには、ネオン管の形が直接的、具体的であってはならない」と述べ、手描きのドローイングの線からネオン管を造形することで、工業製品とは対照的に、作品としてのネオンに自身の主観を反映するアプローチを取ってきました。彼の作品におけるネオンはすなわち、社会的な機能や特定の記号に還元されることなく、「そのもの」として光を放つことを特徴としてきました。
本展「Afterimage」における新作はそうした内発的、主観的な表現形態から離れ、作家の新たな展開を示します。作品のモチーフには、誰もが街中で見たことのある、消費社会におけるアイコニックな記号たちが用いられており、作品設計では、手描きのドローイングに代わりベクターデータが使用されています。またネオン管の加工プロセスでは、既成の意匠を参照することにより、作家自身による「手曲げ」も不要になったといいます。新作におけるこうした転機は、本展のタイトルでもある「堅牢なサイン」というテーマと密接に関わっています。
Wakuは新作の制作当初、「自分が看板屋をやっていくなかで日々目にしていた直接的で具体的な記号を抽象化し、光にフォーカスしようと試みていた」と振り返ります。しかし作家の意図に反し、企業やブランドを指し示す文字列は、視覚的に解体されてもなお、線の太さや角度、色といった要素によりその記号性を強く残し、これまでの制作手法を用いて抽象化することが困難であったといいます。
「堅牢なサイン」とは、そのように元の文脈や視覚的要素から切り離されたうえでも見る物の認知に作用する、強固な記号を意味します。文字列としての可読性が失われても可読「的」な記号として現れるそれらは、しばしば私たちの日常生活と分かちがたく、潜在的に印象付くよう、複合的かつ微細に設計されています。Wakuは新作において、これまで確立した作品構造へこうした「堅牢なサイン」を「異物」として混入させます。
Wakuのネオン作品は、扱われるモチーフに対して倫理的評価を下すことや、特定のメッセージを訴えることを目的としません。Wakuは社会の中で流動する記号の構造的特徴に着目し、その構造を誇張し誤用することで、作品自体の構造へと落とし込みます。それによりネオンの光は、何らかの意味を指し示すのではなく、見る者の導き手として私たちの中にすでに存在している（あるいは存在させられている）イメージを照らし出しているといえるでしょう。本展において分解され、還元された記号たちを前にして、なおその意味内容を読み取ることができるとすれば、それはネオンを通じて私たちの中にすでに在る堅牢なサインを、私たち自身が鑑賞しているということかもしれません。
■ PROFILE
1996年東京生まれ。ネオンライトの探求を中心に活動するWakuは素材、形、要素に対する私たちの理解に挑戦し、私たちがどのように世界を認識し、関係しているかについて問いを投げかけている。ネオンは文化的に看板と結び付けられることが多い素材であるが、Wakuの作品ではそれ自体が最終形態として扱われる。仏教寺院の家系に生まれたWakuは、幼少期 にロウソクを灯して祈りを捧げたときやお寺の本堂で金色に輝く仏陀が「光の原体験」を形成し、彼は自然と光の要素に惹かれ、空間を創り出す道筋を見出した。 2017年に国内有数の工場島田ネオンにて職人としての修行を開始、やがてニューヨークへ渡米、20世紀を代表する芸術家ナム・ジュン・パイクの作品も手掛けた著 名なネオン職人、テイビット・アブロンに師事。 アーティストでありながらも職人でもあるWakuは、ネオンを動かす物理的なハードウェア（ガラス、電気、アルゴンガス など）との密接な関係を出発点に、「ネオンの光を自由にする」ことで新しい意味を生み出す試みを柔軟に展開する。帰国後、ネオンサインスタジオ「gokou」を設立し、同時に芸術活動を追求している。近年の活動では、CON_とDomicile Tokyoでの個展「素朴光」（2022）、Gallery COMMONでの個展「In Person」（2020）などがある。
